Derive
Il progetto esplora le trasformazioni degli ecosistemi marini contemporanei attraverso un’indagine sui fenomeni di inquinamento, surriscaldamento delle acque, accumulo di plastica e migrazioni forzate delle specie ittiche causate da infrastrutture artificiali, canali di navigazione e acque di zavorra.
Le opere sono realizzate esclusivamente con pelle di scarto ittico, materiale residuale dell’industria alimentare, rielaborato come superficie sensibile e archivio biologico. La pelle diventa luogo di iscrizione delle tensioni ambientali in atto, restituendo una mappatura fragile e instabile delle alterazioni marine.
Agendo come epidermide collettiva, il materiale conserva tracce di stress, adattamento e deterioramento, evocando un mare vulnerabile e permeabile, sottoposto a pressioni sistemiche e irreversibili. Il progetto propone una riflessione sul mare come organismo vivo e politico, in cui natura e artificio si intrecciano in una condizione di deriva permanente
Teuthida: Arte e responsabilità
Teuthida segna la nascita del primo e fondamentale progetto della ricerca artistica. Un corpus di opere che utilizza, per la prima volta, la pelle di cefalopode come materia espressiva, trasformando uno scarto edibile in superficie simbolica e narrativa. Ciò che ha nutrito i corpi diventa ora linguaggio visivo: lo scarto viene nobilitato e reso ambasciatore di un messaggio universale, che interroga la nutrizione come diritto essenziale, troppo spesso negato o sofferto in molte parti del mondo.
Il titolo prende spunto dal nome scientifico dell’ordine dei cefalopodi, Teuthida: la sonorità e la parte finale della parola evocano spontaneamente il concetto di idea, suggerendo un cortocircuito semantico tra classificazione biologica e pensiero creativo.
Da questa assonanza nasce il titolo, che diventa matrice concettuale del progetto, in cui biologia e pensiero, materia e visione, trasformazione e consapevolezza si fondono. Teuthida è un atto di recupero etico e poetico, un gesto che restituisce dignità a ciò che viene scartato e invita a riflettere sul valore profondo del cibo, della memoria e della responsabilità collettiva.
Installationi
Ecco una breve spiegazione che si concentra in modo specifico su come Gianni Depaoli esprime la sostenibilità e le preoccupazioni ambientali attraverso le sue installazioni:
Gianni Depaoli utilizza le sue installazioni come potenti segnali di allarme ambientale. Attraverso opere immersive e di grande scala, presentate in mostre personali come Mare Nero, Allarme Ambiente e Oceaniche Alchimie, Rossomare mette lo spettatore di fronte alle conseguenze delle azioni umane sugli ecosistemi marini. Le sue installazioni incorporano spesso materiali organici di origine marina, in particolare pelli di cefalopodi, trasformando scarti biologici in opere d’arte.
In questo modo, Depaoli trasforma il materiale stesso in una testimonianza: esso porta con sé memoria, fragilità e le tracce di ciò che è stato consumato e poi scartato. Lo spettatore si trova immerso in ambienti che evocano l’inquinamento, il collasso ecologico e la vulnerabilità degli oceani. Attraverso questi spazi, talvolta oscuri, talvolta pulsanti di texture naturali, Depaoli invita il pubblico a riflettere sulla sostenibilità non come un’idea astratta, ma come una realtà fisica. Le sue installazioni ci ricordano che il mondo naturale è allo stesso tempo fonte e vittima, e che il nostro rapporto con esso definisce il futuro del pianeta.
Sculture: Icone rigenerate
Gianni Depaoli declina la sua ricerca scultorea in opere che fondono materia, forma e sostenibilità, adattandosi a contesti artistici, industriali e performativi.
Emblematici sono i progetti Eko500 e EkoVespa Project, ora in permanenza alla Fondazione Piaggio di Pontedera, in cui le due icone Italiane vengono recuperate e rivestite con materiali organici provenienti dal mare, trasformando un’icona industriale in simbolo di rigenerazione e di multietnicità.
Nel 2025 nasce Il Respiro di Cemento, trappole di grigio, un progetto artistico che indaga il conflitto tra urbanizzazione e natura. In un paesaggio sempre più soffocato dal cemento, fiumi, foreste e coste diventano spazi compressi e privati di respiro.
Attraverso una riflessione materica e simbolica, il progetto esplora la perdita di permeabilità del mondo naturale e l’assuefazione dell’essere umano a un ambiente grigio, mettendo in luce tracce di resistenza e possibilità di frattura.
Abissi: Equilibri interdipendenti
Un’arte che nasce dagli scarti ittici per trasformare lo spreco in significato.
Attraverso pelle, lische, squame e inchiostro, queste opere uniscono estetica ed etica, denunciando l’assurdità dello spreco alimentare e invitando a ripensare il nostro rapporto con cibo, natura e memoria culturale.
Non celebrazione del consumo, ma gesto consapevole di recupero e rispetto: una pratica artistica contemporanea che restituisce dignità a ciò che è invisibile e apre nuove prospettive sulla sostenibilità.
Il Passato: Ciò che resta
La ricerca sperimentale di Gianni Depaoli si distingue per una creatività capace di veicolare sorpresa, ironia e tensione emotiva attraverso la materia.
Utilizzando pelli e inchiostri di cefalopodi, l’artista trasforma lo scarto organico in immagini inattese, dove bellezza e inquietudine convivono.
Le sue opere, spesso installative, coinvolgono lo spettatore sul piano sensoriale ed emotivo, stimolando una riflessione critica sul rapporto tra uomo, natura e responsabilità collettiva.
Archeologia del Presente
Tra Chirurgia Organica e Silenzio Cementizio
La mia ricerca artistica non si limita alla denuncia; è un’operazione di autopsia e conservazione sul corpo martoriato del pianeta. Il mio lavoro indaga il conflitto tra la vulnerabilità biologica e l’impatto brutale dell’antropizzazione, tracciando un percorso che va dal micro-dettaglio organico alla macro-struttura urbana.
L’Anatomia dello Scarto: Il Rigore Scientifico
Il punto di partenza è il rifiuto, in particolare lo scarto alimentare ittico. In un mondo che consuma e dimentica, io scelgo di fermare il tempo. Attraverso processi tecnici rigorosi, blocco la decomposizione e preservo la cromia originale della materia: non utilizzo colori aggiunti. La bellezza che emerge è quella intrinseca della natura, strappata all’oblio.
La Tecnica: Opero con la precisione di un chirurgo, utilizzando aghi d’acciaio e bisturi. Ogni frammento viene manipolato per denunciare le criticità ambientali: dalle isole di plastica al surriscaldamento dei mari, fino alla silenziosa invasione di specie aliene che ridisegnano i nostri ecosistemi.
L’Evoluzione: Il Cemento come Sudario
Dalla precisione quasi ossessiva del bisturi, la mia opera evolve verso la densità del cemento. Qui, la materia organica precedentemente salvata incontra il simbolo dell’urbanizzazione selvaggia. La cementificazione non è solo un atto edilizio, ma un soffocamento: è il grigio che copre l’azzurro dei mari e il verde delle terre, trasformando la vita in un fossile industriale.
“Il mio gesto artistico è un paradosso: uso lo strumento che cura (il bisturi) per mostrare ciò che abbiamo ucciso, e il materiale che costruisce (il cemento) per mostrare ciò che stiamo distruggendo.”
Filosofia e Materiali
Il contrasto tra la fragilità di un resto ittico trattato con cura medica e la durezza di una colata di cemento è il cuore pulsante del mio lavoro.
Messaggio: Una riflessione profonda sulla migrazione, sullo spreco e sulla perdita definitiva di spazio vitale.
Verità Materica: Solo colori naturali e materiali puri.
Metodo: Approccio chirurgico e conservativo.
Newsletter
Rimani in contatto e ricevi aggiornamenti sulle mie prossime mostre